Художники рисующие цветы
Vetkino.ru

Портал садовода

Художники рисующие цветы

Какие тайны скрывают 10 картин известных художников, на которых нарисованы цветы

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Серия Водяные лилии (1896 – 1926)

Импрессионизм был одним из самых влиятельных течений в современном искусстве. Его художники сосредоточились на том, чтобы запечатлеть мгновенный эффект сцены, а не точно изобразить её. Серия «Нимфеи» или «Водяные лилии» Клода Моне была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма». А состоит она примерно из двухсот пятидесяти картин маслом, которые были созданы Моне в течение последних тридцати лет его жизни. Сейчас они выставлены в музеях по всему миру. Ослепительная сложность цвета и света в панелях открывает зрителю глаза на невероятное разнообразие природы, указывая на глубину и тайну жизни, которую она поддерживает. Удивительно, что зрение Моне сильно ухудшилось из-за катаракты, когда он писал большинство этих шедевров. Картины Клода Моне с водяными лилиями являются одними из самых признанных и знаменитых произведений искусства XX века, и они, возможно, самые известные цветочные картины всех времён.

2. Ваза с пятнадцатью подсолнухами (1888)

Винсент Ван Гог считается мастером натюрмортов, а его серия картин на тему «Подсолнухи» входит в число самых известных работ в данном стиле, когда-либо созданных. Полотна хорошо известны тем, что изображают естественную красоту цветов и их яркие цвета. Они показывают подсолнухи на всех стадиях жизни, от полного цветения до увядания. Вышеприведённая картина под названием «Ваза с пятнадцатью подсолнухами» была продана японскому инвестору почти за сорок миллионов долларов в марте 1987 года. В то время это была рекордная сумма для произведения искусства. Цена была более чем в три раза выше предыдущего рекорда в размере около двенадцати миллионов долларов. Серия «Подсолнухи» Ван Гога – не только одна из его самых известных работ, но и одно из самых известных изображений цветов.

3. Цветы (1964)

Поп-арт был влиятельным художественным движением ХХ века, в котором художники сосредоточились на современной популярной культуре и средствах массовой информации. Энди Уорхол – американский художник, более известный как папа поп-арта, также не остался в стороне. В то время, когда он концентрировался на потребителях, знаменитостях, смерти и бедствиях, его цветочная серия стала новым витком для художника, поскольку она изображала совершенно другую тему. Это одна из семи его монументальных картин с цветами, где «Цветок» остаётся одной из самых известных работ Уорхола. Исходным изображением для создания данной серии работ послужила фотография, опубликованная в 1964 году в номере журнала Modern Photography, сделанном фотографом-натуралистом Патрицией Колфилд. Но по иронии судьбы для художника, Колфилд подала на Уорлоха в суд за то, что он несанкционированно использовал её изображение в своих целях.

4. Ирисы (1889)

И снова речь пойдёт о Ван Гоге. Один из самых известных художников в истории, он имел трудную жизнь, омрачённую психической нестабильностью. В итоге, не выдержав всего этого, он выстрелил себе в грудь из револьвера и через два дня после этого умер. Но перед этим он успел оставить после себя ещё одну удивительную вещь – картины и гравюры с ирисами. Он написал её за год до своей смерти и назвал «громоотводом для моей болезни», так как чувствовал, что его работа была его надеждой против безумия. В сентябре 1987 года «Ирисы» были проданы за почти за пятьдесят четыре миллиона долларов, что сделало их самой дорогой картиной, когда-либо продававшейся. Данный рекорд стоял около двух с половиной лет, и по состоянию на 2018 год он занимает двадцать пятое место в списке самых дорогих картин, когда-либо продававшихся во всём мире за всю историю человечества.

5. Чёрный Ирис III (1926)

Джорджия О’Кифф была ведущей фигурой в американском модернизме, которая бросила вызов границам художественного стиля своими картинами, которые сочетали абстракцию и представление. Она наиболее известна своими драматически большими, чувственными цветами, изображёнными крупным планом, которые по существу превратили их в абстрактные работы. Цветочные картины Джорджии, на которых цветы изображены так, как будто их видят через увеличительное стекло, позволили зрителям оценить красоту цветка со всеми его деталями, как никогда раньше. Некоторые из этих картин были спорными, поскольку они считались завуалированным изображением женской плоти. Среди них её иконические изображения ирисов. Однако О’Кифф опровергла эти утверждения, заявив о том, что она просто рисовала то, что видела. «Чёрный Ирис III» – самая спорная, а также самая известная картина Джорджии О’Кифф, которая и по сей день вызывает множество споров и пересудов.

6. Ваза с цветами (1645) — Ян Давидс де Хем

Ян Давидс де Хем был голландским художником, который считается одним из самых одарённых, разносторонних и влиятельных натюрмортистов своего времени. В своих натюрмортах он умудрился изобразить цветы во всей их красе и разнообразии. Его работы известны сочетанием яркости и гармонии цвета наряду с точным отображением объектов. Цветочные картины де Хема захватывают красоту флоры, в то же время иллюстрируя концепцию «искусство длинное, жизнь – коротка», воплощённую в голландских натюрмортах XVII века. «Ваза с цветами» – самое известное цветочное произведение де Хема. В нём он создаёт гармоничное расположение, уравновешивая цвета и формы тридцати одного вида цветов, овощей и зёрен. Несмотря на своё реалистическое изображение, этот букет никогда не мог существовать как различные экзотические цветы, которые он содержит, потому что все они цветут в разные сезоны.

7. Цветы в вазе (1866)

Пьер Огюст Ренуар – один из величайших современных французских художников. Хотя Ренуар больше всего известен портретной живописью, фигуративной работой и серией сладострастных купающихся женщин, он также создал многочисленные цветочные картины. Фактически он начал свою карьеру, рисуя цветы на фарфоре для Севрской мастерской. Цветы остались важной частью его творчества, и эти картины превратились в богатые изображения цветочных композиций на холсте к концу 1860-х годов. Ренуар любил рисовать цветочные букеты, варьируя аранжировки, используя их как упражнения на формы и цвета. Он также уделял большое внимание позиционированию и перспективе. Некоторые из самых красивых картин Ренуара – цветочные произведения, и «Цветы в вазе», пожалуй, самые известные среди них.

8. Цветы в хрустальной вазе (1882)

Эдуард Мане был французским художником, который считается ключевой фигурой в истории западного искусства, а некоторые даже называют его отцом модернизма из-за его радикальных картин. В течение последних шести месяцев своей жизни, в возрасте 51 года, Мане посвятил всё своё время рисованию серии цветочных натюрмортов. На этих картинах изображены букеты, которые друзья принесли в его парижскую квартиру, когда он был дома. Их жизнерадостность может означать презрение Мане к традиционным и трудным эмоциям. Возможно, они свидетельствуют о важности внешних проявлений – эстетического зрелища как существенного отвлечения от непредсказуемого мира, который держит человеческое существование в своих тисках. И несмотря на то, что он более известен своими противоречивыми работами, цветочные картины являются важной частью творчества легендарного художника. «Цветы в хрустальной вазе», пожалуй, самые известные среди них.

9. Натюрморт с цветами на мраморной плите (1716)

Рейчел Райш была дочерью Фредерика Райша, профессора ботаники. Её художественный талант был признан рано, а карьера и вовсе охватила более шести десятилетий, и Рейчел стала лучшим документальным художником голландского Золотого века. За свою жизнь она достигла международной известности и, несмотря на то, что родила десять детей, смогла продолжить профессиональную карьеру художника. Рейчел Райш специализировалась на натюрмортах с цветами, и она остаётся одним из самых известных художников цветочных натюрмортов. «Натюрморт с цветами на мраморной плите» одна из самых известных её работ, которая показывает различные цветы, а также насекомых. Данная картина была написана на пике её славы, когда она была придворным художником Иоганна Вильгельма, курфюрста палантина.

10. Снегирь и сакура (1834) — Кацушика Хокусай

Кацусика Хокусай считается одним из величайших художников в японской истории, и на многочисленных западных художников повлияли его работы. Цветы и птицы были одним из его любимых предметов, и эта картина под названием «Сакура и снегирь» изображает маленькую птицу, известную как снегирь, на маленьком дереве, известном в Японии как плакучее вишнёвое дерево. Хокусай изображает самца, отличающегося розовым пятном от щеки до горла. Он ритмично смешивает бутоны с цветками на дереве, выделяя их весёлым красным цветом. Укиё-э была школой японского искусства, изображающей предметы из повседневной жизни, и Хокусай, возможно, самый известный её практик. Соответственно, данная картина считается одним из самых известных отпечатков укиё-э Кацусика.

Читать еще:  Гладиолус в домашних условиях

В продолжение темы – загадка 10 известных картин эпохи Ренессанса , которыми не перестают любоваться и по сей день.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Живопись цветов: современные художники и их картины

Природная красота растений на протяжении всего существования живописи не оставляет равнодушным как художников, так и ценителей искусства. Пленительные цветы могут нести в себе не только прекрасную картину, но и сокровенный смысл, оставленный автором для разгадки.

Татьяна Зарецкая

Родиной Татьяны Зарецкой является город Новочеркасск, в котором она не только родилась, но и освоила первые азы творчества в художественной школе.

Татьяна — отечественная гордость, поднявшая русскую живопись цветов на мировой уровень. Так, ее работы находятся в галереях США, Германии, Великобритании, Японии и Чехии.

Художница работает в стиле а-ля прима, суть которого заключается в создании картины всего за один сеанс. Таким образом складывается ощущение свежести мазка и прозрачной легкости самого образа.

По словам Татьяны, она желает, чтобы при просмотре ее живописи цветов весь груз и быт современной жизни уходили на задний план, пробуждая душу от спячки и тем самым раскрывая не только глаза, но и все нутро для видения красоты в самых простых деталях: цветах, растениях и бабочках.

Данхуи Наи

Данхуи Наи — китайская художница, предпочитающая изображать в своей живописи цветы. Со временем девушка переезжает в другую часть света — Нью-Йорк, где продолжает творить свои прекрасные работы.

На ее картинах чаще всего изображены цветочные композиции. Работы художницы прекрасно подходят для декупажа (присоединение рисунка к предмету, закрепленного после лаковым покрытием).

При просмотре картин Данхуи Наи разум будто переносится в летнее, теплое и наполненное свежим воздухом место.

Джил Кирстен

Джил Кирстен — австралийская художница, родившаяся в Южном Уэльсе. Как пейзажист она реализовалась далеко не сразу. Представьте себе, первые сорок лет Джил занималась аранжировкой цветов, что также принесло ей славу. Однако затем к ней вдруг пришло некое озарение, дикое желание передавать красоту растений краской. Так она окунулась с головой в живопись цветов.

Отличительной особенностью ее композиций является тяготение к определенному сорту цветов. Этот сорт — розы. Художница утверждает, что данный цветок действует на нее совершенно магическим образом и вдохновляет на создание картин.

Збигнев Копаня

Збигнев Копаня — польский художник, родившийся в городе Лодзь. По образованию он далеко не пейзажист. Ранее Копаня занимал должность оператора документальных и художественных кинофильмов, работал как на родине, так и за рубежом.

Збигнева как художника отличает от других его способность изображать пейзаж цветов с очень высокой реалистичностью. В некоторых произведениях его умение доходит до уровня гиперреализма.

Художник предпочитает работать с густой краской, таким образом насыщая картину целой палитрой цветов, внося окончательный штрих в эффект композиции.

Также в картинах с живописью цветов можно увидеть очень ювелирно проработанные детали и высокую контрастность образов.

Мэри Дипнол

Мэри Дипнол — английская художница, родившаяся в городе Портсмуте. Известен факт о том, что уроки живописи цветов и рисования вообще она профессионально нигде не брала. Возможно потому ее дебютная выставка пришлась на время, когда ей было уже 44 года.

Тем не менее первая попытка Мэри произвела большой фурор: специалисты оценили картины по достоинству, а многие любители живописи уже стали приобретать их в свои коллекции.

Венета Дочева

Венета Дочева — талантливая болгарская художница современности.

Отличительными качествами мастерства Венеты становится ее живописный язык. Если посмотреть на композиции, то можно заметить, что идеального рисунка или фотографичной точности у изображений нет. Ее индивидуальный почерк — колоритные пятна, импульсивные, наполненные экспрессией всплески и при всем выше упомянутом плавность и текучесть одного цвета, переходящего в другой.

Может складываться такое впечатление, что к ее картинам хочется больше не присмотреться, а насладиться, ощутив аромат живописных цветов.

Владимир Жданов

Владимир Жданов — российский художник современности, источником вдохновения для которого служат места родины.

Пейзажи цветов и другие идиллические изображения, зарисовки крестьянской жизни, колоритные натюрморты пропитаны простотой и ясностью. При просмотре работ Жданова всплывают воспоминания из детства, когда прекрасные юные годы мы все проводили в деревне у бабушки.

Костас Цигрис

Завершает список современных художников, прекрасно изображающих живопись цветов, греческий мастер Костас Цигрис. Его родиной был город Мегара. Азы рисования он освоил в афинской школе искусств.

Творчество Костаса отличает взрывное количество красок и магическая игра самого цвета.

В арсенале художника можно выделить два основных образа — женщины и цветы. С помощью утонченного и нежного изображения цветов Костас обыгрывает все прелести женской красоты и грациозности.

О чем говорят розы? Живописные цветы в картинах художников

Роза — истинная королева цветов и один из любимых образов в искусстве. Ею восхищаются с незапамятных времен писатели, музыканты и художники. О прекрасном цветке розе слогали легенды. Например, в античной мифологии, из крови Адониса, возлюбленного Афродиты, произросли первые красные розы, поэтому они стали символом любви, побеждающей смерть.
Роза — также символ скрытности. В Риме бытовало мнение, что роза обладает отрезвляющими свойствами и не дает пьяному выбалтывать тайны. Изображениями роз украшались потолки столовых в домах богатых римлян, как напоминание гостям, что все сказанное за трапезой должно остаться в секрете.
Исповедальни украшали лепестками роз — «Sub rosa» — то есть под печатью молчания, буквально означает «под розой».
Роза — цветочный символ весны, красоты и любви. Бутон розы считается символом девственности, а увядший цветок — кратковременности земных благ.
Можно еще долго продолжать, список легенд, символов и интерпретаций цветка, тем более, что многообразие цветовых оттенков и сортов роз действительно впечатляет, а аромат будоражит сознание.

Художник из Франции Пьер-Жозеф Редуте — придворный художник Марии-Антуанетты, позже, художник императрицы Жозефины, запечатлел на своих полотнах богатейшую коллекцию роз, причем, с ботанической точностью. Его книга «Розы» («Les Roses») с акварельными рисунками дает точное представление о двухсотлетней истории селекции роз.

Как хороши, как свежи были розы
В моём саду! Как взор прельщали мой!
(Мятлев)

Пьер-Жозеф Редуте, так полюбил цветы, что, будучи потомственным художником, внес огромный вклад в ботанические исследования роз и лилий, во время французской революции ухаживал за садами, которые позже стали национальным достоянием.

В садах при замке Мальмезон была собрана богатейшая коллекция роз, включающая в себя множество сортов. Пьер-Жозеф Редуте «спасал» чудесные цветы от увядания, так как на его картинах они цвели вечно.
Барышни позапрошлого века любили срисовывать к себе в альбомы акварели «Придворного Рафаэля», писавшего только цветы, а сегодня его красивые розы и не только, можно нередко встретить в работах декупажниц, вышивальщиц или на фарфоре.

Картина находится в Национальной галерее искусств (Вашингтон).

Роза настолько обворожительна, что фантазия сама начинает искать нечто общее, созвучное этой природной красоте в душе человека.
Многие художники изображали розы на картинах, и каждый по-своему. Какими разными могут быть цветы, какие различные чувства и эмоции могут затрагивать! Для публикации, я собрала картины, разных, в том числе и современных художников — каждый со своим особым восприятием и видением природной красоты, мироощущением.
Очень милые, позитивные натюрморты Ira Rom-Lorenz. Родилась в Одессе в 1971 году, закончила художественную школу, а потом иммигрировала в США.

Натюрморты светлые, наполненные воздухом, солнцем, теплом и уютом, со множеством деталей.

Ловлю себя на мысли, что больше рассматриваю небольшие детали на картинах, сопутствующих насекомых и животных, чем сами цветы. Взгляд отдыхает и наслаждается гармонией композиции и цвета.

Австралийская художница Lyn Diefenbach. Суперреализм ее цветов поражает! Ощущение свежести, прохлады шелковых лепестков и аромата. Будто подносишь цветок близко к лицу. Фотореализм.
Lyn Diefenbach член Международной гильдии реализма, состоит в Обществе пастели художников Австралии.

Теперь я понимаю маленькую Герду из сказки «Снежная королева» — в волшебном саду цветов можно забыть обо всем на свете, но только розы способны вернуть память о самом дорогом.

Художник Алексей Антонов, родился в 1957 году в России. Окончил Государственный Художественный Университет в Баку. С 1990 живет и работает в США.
Картины создают настроение. Философско-романтическая грустинка. Уставшая роза. Век ее так короток, а красота так быстротечна. зато, какая красота!

Антонов пишет в технике фламандской живописи, совмещая дыхание старины с энергией современности.

На картине приколот белый листочек:
«Я устала позировать.
Я уже не такая красивая как была вчера.
Завтра упадет мой первый лепесток.
Спешите запомнить мою красоту.»

Читать еще:  Роза бобби джеймс

Прекрасный момент в жизни розы — ею любуются!

Пол ван Гинкель (Paul van Ginkel) — канадский художник. Гинкель получил много наград и отличий за свою работу, в том числе: 4 награды с выставки Calgary Stampede, он был выбран на выставке издателей Fresco, как один из лучших западных художников, работающих сегодня.
Пол ван Гинкель рисует индейцев, яркие этнические танцы, работы связаны с культурой дикого запада. Но среди его работ есть картины роз — магия страсти, чувственность.

Лепестки оживают, будто в пламени нежном,
Отгоняя пороки леденящей тоски,
Словно сердце живое в этом море безбрежном
Негасимой любовью загорелось внутри. (Дударева Т.)

Хочешь тронуть розу — рук иссечь не бойся,
Хочешь пить — с похмелья хворым слечь не бойся.
А любви прекрасной, трепетной и страстной
Хочешь — понапрасну сердце сжечь не бойся!
(О. Хайям)

Врубель Михаил Александрович. Роза в стакане.
Рисунок сделан в больнице доктора Ф.А. Усольцева, где художник, после трагических событий в своей жизни, которые истощили его психологически и физически, вновь стал увлеченно рисовать. Легкие, нежные лепестки, освещенные солнечным светом и тяжелый, толстый стебель, будто вырезанный из стекла.

Художник утверждал, что в основе всякой красоты — «форма, которая создана природой вовек. Она — носительница души, которая тебе одному откроется и расскажет тебе твою. Это значит, что не я толкую природу, а природа растолковывает, объясняет мне — меня. Тем самым природа персонализируется, превращается в одушевленного собеседника».

О чем говорят розы? О любви, страсти, нежности, о сказке и реальности бытия. О нас самих, раскрывая нам суть человеческой природы, неразрывно связанной с красотой земной.

Художник и цветы

Закрылся глаз нарцисса утром рано.

Раскрылась роза и бутон тюльпана.

Садовник в это утро встал чуть свет.

Сложил из роз невиданный букет.

X о с р о в Д е х л е в и (1253—1325)

Символ весны, олицетворение самого на земле чистого и светлого — цветы воспевались поэтами еще в седой древности. Слепец тот, вторили они, кто не способен радоваться и удивляться этим волшебным творениям природы.

И радоваться и удивляться цветам всегда умели художники. В Древнем Египте колонны храмов делали в виде пучков лотоса или папируса, а капители — в форме готовых раскрыться бутонов. Старинные китайские и японские свитки донесли до наших дней живые краски давно истлевших пионов, глициний, лилий. Дань красоте цветов всегда отдавали и мастера восточной миниатюры.

Не будь цветов, бесконечно обеднело бы декоративно-прикладное искусство. А такие промыслы, как Гжель, Хохлома, Жостово, вообще бы не существовали.

Одним из основоположников европейского цветочного натюрморта считается Ян Брейгель «Бархатный» (1568 —1625), живший в Южных Нидерландах. Позднее, особенно со второй половины прошлого столетия, многие живописцы все чаще обращаются к этому виду натюрморта. Ведь цветы дают возможность выразить всю сложность внутреннего состояния — спокойную созерцательность и философские раздумья, светлую грусть и бурную радость.

Художник изображает цветы, а те рассказывают о художнике, его характере, отношении к жизни, людям, себе самому. Способен ли он разглядеть подлинную сущность явлений, увидеть прекрасное в скромном, большое в малом?

Все пробелы в обучении тотчас скажутся, как только график или живописец возьмется за изображение цветов. Тому же, кто мечтает стать стоящим мастером, цветы помогут развить вкус, овладеть профессиональной грамотой, дадут ломание законов формы, светотени, колорита, воспитают способность анализировать и обобщать, Вспомните, как кропотливо изучал их великий немецкий художник Альбрехт Дюрер. И недаром говорил П.П. Кончаловский:

— Цветок нельзя писать «так себе», простыми мазочками, его надо изучить, и так же глубоко, как и все другое. Цветы — великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица. В розах есть все, что существует в природе, только в более утонченных и сложных формах, и в каждом цветке, а особенно в сирени или букете полевых цветов, надо разбираться, как в какой-нибудь лесной чаще, пока уловишь логику построения, выведешь законы из сочетаний, кажущихся случайными. Я пишу их, как музыкант играет гаммы. Поработаешь часика два, так ум за разум насинает заходить — вместо цветов являются уж звуки какие-то.

Цветы можно рисовать и писать круглый год. зимой — комнатные, а уж в марте и апреле подснежники. Потом загораются желтые огни калужниц, купавниц, одуванчиков. Каждый день раскрываются новые бутоны.

Далеко не все отдают предпочтение роскошным розам, пышным пионам и георгинам, изысканным гладиолусам. И. Шишкин, И. Левитан, Е. Поленова чаще всего изображали скромные лесные и полевые цветы — васильки, ромашки, одуванчики, чертополох, зонтики сныть-травы.

Одним нравятся огромные пестрые букеты, другим небольшие, составленные всего из нескольких растений. Многие пишут и рисуют цветы прямо на месте, не срывая, в естественном окружении, то есть на пленэре.

Прежде чем избрать технику и метод работы, настроиться на определенное количество сеансов, не забудьте согласовать свои намерения с теми сроками, какие назначит натура: ведь цветы, кроме бессмертников, живут недолго, а некоторые всего один день, например мак. Быстро вянут крокусы, дикие ирисы, дольше остаются бодрыми розы, ландыши, купавницы, сирень, флоксы, еще дольше могут «позировать» гладиолусы, астры, тюльпаны, пионы, ромашки. Некоторые цветы, например ненюфары и тюльпаны, к вечеру закрываются. То же самое делают, чувствуя приближение дождя, фиалки, ноготки, шиповник.

Даже опытному живописцу очень сложно писать внушительный букет. Потому что нужно разобраться не только в строении и форме каждого цветка, но и в общей форме всего букета. Она имеет свои градации светотени, включая рефлексы. Важно, чтобы каждое растение, как бы оно ни отличалось по конструкции, тону и цвету, было точно вписано в ансамбль. Добиться этого можно только при одновременном видении частного и целого, постоянном сопоставлении всех частей букета.

Запечатлеть — это еще не все. Подлинный успех придет, если цветы так заворожили, что нельзя не взяться за карандаш и кисти. А. Дейнека говорил, что настоящие розы даже в картине должны словно излучать запах, иначе они будут фальшивы и в них не поверишь.

Итак, выбор техники и метода работы зависит от сложности формы и фактуры лепестков и листьев, их плотности или прозрачности, количества и долговечности цветов, присутствия других предметов, входящих в натюрморт, наконец, от вкуса мастера, его приверженности к определенным художественным материалам. Известно много прекрасных цветочных натюрмортов, выполненных маслом, акварелью, темперой, гуашью, пастелью.

Часто цветы пишут сразу, на одном дыхании, или в два-три сеанса, реже — частями, как бы добавляя один фрагмент к другому в соответствии с заранее продуманной композицией. Такой метод позволяет работать над картиной долго, тщательно отделывая каждую деталь. Так, например, создавал свое полотно «Цветы и фрукты» В. Садовников.

Иногда пишут по памяти — тут время вовсе не торопит. Зато работа с натуры дарит радость живого общения с цветами. И никакие самые правдоподобные муляжи не заменят трепетности их лепестков, тонкости аромата. Только медлить нельзя: пока не угасла яркость первого впечатления, нужно натюрморт закончить. Для этого самый подходящий прием письма — алла прима.

Им прекрасно владел К. Коровин. Путешествуя на автомобиле ранней весной по Крыму, художник любовался великолепием цветущих кустов и деревьев и заносил в альбом «цветовые заметки». Покупал целые снопы пышных, ярких, пахучих пионов, бережно приносил в гостиницу. Пристально вглядываясь в натуру, клал на палитру нужные краски, набрасывал углем едва заметный рисунок и начинал писать.

Когда Константин Алексеевич работал над эскизами для театральных постановок, то порой цветы подсказывали ему нужные сочетания красок. Он не увлекался подробностями, стремясь прежде всего уловить общее впечатление, написать натюрморт во всем гармоническом богатстве его оттенков. Каждый мазок точно передавал цвет, форму, тон и фактуру, и все полотно постепенно наполнялось воздухом, солнцем, ароматом зелени, фиалок, роз.

Для того чтобы написать цветы в один-два сеанса, необходимо тщательно подготовиться к работе, продумать компоновку, найти наиболее удачную точку зрения, выгодное освещение. Все это предполагает, что букет, который вы изображаете составлен со вкусом, композиционно продуман.

Ничто не должно мешать творчеству, поэтому следует позаботиться о художественных принадлежностях. Слишком грубый, жесткий ворс кисти не позволит передать ласковость красочных переливов, шелковистость поверхности растений. Загустевший разбавитель свяжет движения кисти, лишит исполнение легкости и прозрачности. Очень гладкий лист бумаги, взятый для работы акварелью, вызовет скольжение кисти, потеки, наплавы, неоднородность красочного слоя. Работа красками заранее обречена на неудачу, если сделан плохо, наспех подготовительный рисунок. Пока вы будете исправлять ошибки, либо угаснет ваше вдохновение, либо завянут цветы.

Читать еще:  Уход за китайской розой в горшке

Не забывайте о простом графитном карандаше. Он поможет изучить конструкцию и форму цветов, облегчит работу маслом, акварелью, любыми другими материалами. Рисунки М. Врубеля — свидетельство неограниченных возможностей карандаша. Художник, например, изумительно передал воздушную ткань лепестков азалии, их трепетность, живую игру светотени, тончайшие тоновые отношения. Черно-белый рисунок стал живописным; он рождает ощущение цвета. Азалия будто светится изнутри.

Каждый мастер изображает цветы по-своему Полюбуйтесь веткой жасмина, написанной на шелке безымянным китайским живописцем XII века На оранжевом фоне свежо и звонко переливаются листья всеми оттенками зеленого — от почти голубого до охристого. Они словно драгоценная оправа белоснежных цветов. Особую силу и прелесть придает этому альбомному листу соединение безусловной правдивости с продуманной декоративностью.

На миниатюре, украшающей рукопись «Мухсиновой этики», сочиненной известным поэтом Среднего Востока Хусейном Кашифи, изображение роз приближено к орнаменту. Оно графично, плоскостно, нем использовано всего два цвета. Однако художник точно воспроизвел самое характерное — особенности строения цветов, бутонов, расположение ветвей и листьев.

Чарует полотно Ван Гога «Ваза с ирисами на желтом фоне». Желтый цвет был для этого замечательного мастера символом солнца, жизни, добра. Ван Гог любил воспламенить его соседством холодных, особенно синих, голубых, фиолетовых красок, что отвечало стремлению художника создать своей живописью «сияющую ноту». Над натюрмортом Ван Гог работал, по собственному признанию, с неослабевающим пылом, с огромным подъемом; он стал для живописца настоящим откровением в области цвета. Полотно восхищает мажорностью, динамичностью рисунка. В работе замечательно соединились плоскостность с иллюзией пространства; дело в том, что холодные по окраске ирисы кажутся от нас удаляющимися, тонущими в желтом мареве, а горячий фон вырывается я вперед и как бы их окутывает.

Известный театральный художник А. Головин писал: «У меня особая любовь к цветам, и я изображаю их с ботанической точностью». Цветам он посвящал отдельные натюрморты, а во многих портретах они служат своеобразными символами. Так, в автопортрете 1912 года художник изображен рядом с роскошными пионами; спустя 15 лет он написал себя, постаревшего, на фоне флоксов. В первом случае цветы как бы символизируют расцвет жизни, начало лета; во втором — приближение ее заката, раннюю осень.

Головин был прекрасным рисовальщиком и колористом. Его работы, выполненные главным образом темперой, отличаются композиционной заостренностью, тонким вкусом. Внося в мастерскую или комнату, например, огненную герань, он говорил: «Это мой камертон» — и уверенно строил по этому камертону красочную гамму натюрморта, портрета, эскиза театральной композиции.

Итак, цветы можно изображать во всем богатстве оттенков и рефлексов, свойственном пленэрной живописи, и с той или иной степенью декоративности. Но легко вспомнить сколько угодно цветочных натюрмортов, где мы не увидим ни того, ни другого. Например, произведения голландских мастеров XVII века, картины И. Хруцкого, замечательные гуаши Ф. Толстого никак не назовешь пленэрными или обобщенно-декоративными. Зато в них так зримо выражено восхищение формой, изяществом, многообразием красочного цветочного мира, так любовно, тонко, проникновенно показана неувядаемая прелесть растений. Тщательность и скрупулезность, с которыми работали и старые мастера, отнюдь не мешали достижению яркой образности и выразительности.

О магии цветов говорил В. Фаворский: «. рассмотрим цветок, простой цветок с серединой, с лепестками. Мощь его можно почувствовать, если всю поверхность покрыть цветочными лицами или глазами! Как их назвать — не знаешь, а все-таки они смотрят и имеют глубину, как лицо».

Недаром поэты сравнивают с цветами облик любимого человека.

Запечатленные на полотне, цветы словно излучают аромат нагретых солнцем лепестков, как у К. Коровина, навевают светлое лирическое настроение, как у И. Левитана, гремят подобно мощному аккорду, как у А. Дейнеки («Гладиолусы с рябиной»).

Цветы для художника — строгие экзаменаторы. По тому, как он их видит, как к ним относится, как изображает, можно судить о его отношении к людям, природе, жизни.

Цветочные натюрморты английского живописца Cecil Kennedy

Добрый день, дорогие друзья!

Летом всегда хочется легкости, нежности, безграничной красоты цветов, которые нас окружают!

Ну а цветы, вышедший из-под кисти талантливого художника, не только не уступают живым, но в некотором смысле даже превосходят их в своём великолепии. Ведь на картинах к истинной красоте бутонов добавляется ещё и толика таланта живописца, доля жизненной энергии и капелька его фантазии!

Наш сегодняшний герой Сесил Кеннеди – художник с большой буквы: на его счету сотни прекрасных картин с цветами, которые, хоть и были написаны в середине прошлого века, но все-таки по сей день вызывают интерес у коллекционеров и ценителей живописи.

Пара биографических фактов

Ну а сейчас по традиции я хочу вам рассказать немного фактов из жизни Сесила Кеннеди, ведь рассказать на самом деле есть что:

  • Будущий талантливый живописец родился в 1905 году в городке Лейтон недалеко от Лондона.
  • Популярность Кеннеди во многом обусловлена не только его «знаменитой» фамилией, но и тем что его родители также были художниками. К сожалению, точных сведений о том, какие картины они писали, не сохранилась. Однако уже сам факт того, что мальчик пошел по стопам своих родителей, наводит на мысль о наличие какого-то сильного «гена искусства».
  • Точных сведений о том, где художник учился рисовать, тоже нет. Да и, честно говоря, это не важно, ведь главное то, что картины художника пользовались популярностью и пользуется ей до сих пор. Можно лишь предположить (а после просмотра его работ предположение перерастает в твердую уверенность), что мальчик учился с ранних лет дома, а потом брал уроки у лучших преподавателей своего времени!
  • Факт ни в коем случае нельзя упускать: художник дважды награждался медалями в Парижском салоне – один раз серебряной, а второй раз золотой.
  • Также важно и то, что в числе поклонников Сесила Кеннеди было очень много влиятельных людей. Не буду перечислять всех лордов и герцогов, скажу только что сама Королева Мария весьма лестно отзывалась о творениях живописца!
  • Сесила Кеннеди совершенно заслуженно и оправданно называют лучшим британским художником в истории живописи 20-го века, писавшим натюрморты.
  • Картины живописца украшают многочисленные коллекции собраны в разных концах света в том числе и в королевских.

Просматривая многочисленные репродукции художника, я не нашла ни портретов, ни пейзажей – только бесконечная вереница великолепных картин с цветами. Вот поэтому можно сделать вывод о том, что излюбленным направлением живописи Кеннеди был именно натюрморт.

Море цветов в творчестве художника

Здесь нельзя не упомянуть важный нюанс: Сесил Кеннеди не просто рисовал цветы – помимо прочего он (как и другой не менее известный английский художник Альберт Вильямс ) всерьез увлекался ботаникой, поэтому тщательно изучал все, что касается растений. Неудивительно, что цветы в его живописи выглядят более реалистично, чем на некоторых фотоснимках!

Сложно назвать самые известные картины Сесила… Да что тут говорить, даже выбрать ту, что понравилась больше остальных невероятно трудно! Ведь каждый отдельно взятый холст – это маленький мирок, в котором мирно сосуществуют десятки лепестков, листочков, веточек, покрытых капельками ароматной и свежей утренний росы!

  • Гибискус, роза, дельфиниум, ирис, нарцисс, гвоздика, камелия, веточки вербы, пион, мак, тюльпан, фрезия, магнолия, морозник – невероятное изобилие благоухающих цветов на картинах Кеннеди приводит в неописуемый восторг.
  • Весна, лето, осень, зима – все 4 времени года очень символично переданы на холстах живописца. Здесь есть и рождественские цветы, и весенние букеты, и летние композиции.
  • Присмотритесь – почти на каждой картине где-нибудь на краешке листочка или бутона несмело копошится маленькая божья коровка или шмель. Мне кажется, эти на первый взгляд незначительные детали придают картинам динамичность, стирая грань между пространством и временем! Недаром Королева Мария говорила: «Когда я вижу картины Сесила Кеннеди, я чувствую запах цветов и слышу гул пчел».
  • Нельзя не отметить тот факт, что на подавляющем большинстве холстов живописца можно увидеть белые красивые цветы. Возможно, именно этот цвет больше всего привлекал художника, но, скорее всего, изображение белоснежных бутонов – это дань тогдашней моде. Дело в том, что в начале-середине 20 века именно белые цветы были «в моде» у художников и заказчиков картин!

Ну что, как вы смотрите на то, чтобы полюбоваться картинами Сесила Кеннеди и своими глазами увидеть всю красоту и нежность, отраженную на них? Уверена, вы не против!

Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector